viernes, 30 de diciembre de 2011

TÉCNICAS TEXTILES EN JOYERÍA

Las técnicas textiles también pueden ser aprovechadas en la joyería contemporánea, desde los trenzados, hasta los tejidos metálicos usados en las armaduras de la época medieval para protegerse de las flechas, todo sirve para crear bellas y originales joyas.

Como ejemplo pongo una pulsera que hice para uso personal que muestro en la fotografía de la izquierda. La misma contiene tres cordones tejidos con argollas (los dos costados y la parte trasera) completando el diseño dos piezas talladas de ébano y un granate en uno de los capuchones terminales.




La misma forma de producir tejidos de lana u otras fibras en telares también se puede aplicar para hacer tejidos con alambres de plata. En vez de usar materiales como el hilo o la lana, se puede tejer el alambre sólo teniendo en cuenta algunas particularidades que desarrollaré en este artículo.


Según la técnica de tejido a usar se deben recocer o no los alambres de plata, si se va a tejer con argollas como es el caso de la pulsera de la fotografía no es necesario, ya que lo único que hay que hacer son argollas con una técnica muy simple, que consiste en enrollar el alambre en un hierro liso redondo del diámetro de la argolla deseada y luego con la segueta (sierra de joyero) cortar las argollas a medida que hagan falta, esta técnica asegura que todas las argollas salgan iguales.

TEJIDO CON ARGOLLAS:

Para la técnica de las argollas el único cuidado que hay que tener es que según el punto elegido para tejer, se debe calcular el diámetro de las argollas, considerando el número de argollas que deben pasar dentro de cada una de ellas, de tal manera que sumados los diámetros se puedan cerrar las argollas que abrazan a las otras y soldar sin problemas.

Hay una enorme cantidad de puntos, la malla inglesa que produce una especie de manto metálico, los puntos de origen persa donde las argollas quedan mucho mas tupidas, etc.

En la fotografía siguiente se observa una pulsera varonil hecha con un cordón de argollas muy tupido:

 

También los tejidos se pueden usar para dar texturas, tal es el caso de la malla inglesa utilizada en el anillo de la fotografía siguiente, que acompaña a dos trozos de nácar y dos trozos de ébano:



TEJIDO CON ALAMBRES:

Para los trenzados es obligatorio recocer los alambres a medida que se vayan poniendo duros, esto es que a medida que se trabaja y según sean los dobleces que se da a los alambres, estos se van poniendo duros por un cambio en la estructura molecular, lo que dificulta el tejido, en este caso se deberá recocer el metal para volver a dar ductilidad a los alambres.

Hay muchas posibilidades para tejer con alambres, se pueden hacer trenzados, tejidos a chochet o a dos agujas como el punto santa clara, torsionados, etc. La creatividad del joyero será la que dirá que técnica utilizar para lograr un diseño bello. En la fotografía siguiente se puede observar una pulsera varonil que fabriqué como regalo de cumpleaños para mi hijo, se trata de una pulsera con alambres de plata torsionados sobre un alma de un alambre de 2mm de diámetro para dar solidez a la estructura, completan la pieza dos capuchones con diseño celta:


En la fotografía siguiente se puede ver algunos de los muchos puntos que existen para trenzados. Recomiendo siempre guardar trocitos de tejidos a efectos de no perder el punto, cuando uno hace un tiempo que no los hace se olvida, pero teniendo la muestra en seguida se los saca de nuevo:


Algunos trenzados antes de ser usados se suelen martillar total o parcialmente para cambiar el aspecto, algunos de los puntos de muestra de la figura anterior fueron martillados, limados y lijados para mejorar el diseño.

En la fotografía siguiente se ver algunos puntos comunes de cordones y rosetas que pueden incluirse en los diseños, cabe aclarar que esto es solo una muestra, existen tantos puntos como pueda crear el diseñador de la joya:


A continuación muestro un anillo realizado con la técnica textil de trenzado:

En la fotografía siguiente se ve un anillo realizado con la técnica de tejido de cestas de mimbre, está realizado entrecruzando hilos de 0,5mm de plata, pero bien podría haberse hecho cruzando cintas de plata, como vemos también las técnicas de tejido en cestería pueden aplicarse:




RECOCIDO DE LOS ALAMBRES:

La técnica de recocido consiste en calentar los alambre con el soplete al rojo sobre una piedra refractaria (TENGA CUIDADO DE NO FUNDIR EL METAL) y luego dejar enfriar a temperatura ambiente.

lunes, 26 de diciembre de 2011

EL TALLADO EN LAS JOYAS

En la antigüedad se creía que los tallados en las joyas traían protección y buenos augurios para el poseedor de las mismas, por lo que era común encontrar talismanes con símbolos, figuras de animales, plantas, personajes míticos, etc. en anillos, camafeos, pulseras y broches, según la creencia de la cultura del grupo étnico.

En tiempos modernos, esta costumbre desapareció durante mucho tiempo, hasta que la bijouterié rescató los camafeos presentados como imitaciones en plástico alcanzando nuevamente popularidad. En la fotografía de la izquierda se puede apreciar una joya con un camafeo que tallé en nácar, engarzado en un moderno dije con marco de plata inspirado en un cartel de un pub ingles.

Sin embargo son pocas las piezas genuinas talladas que se encuentran en los escaparates de las joyerías, un poco debido a que la industrialización hizo desaparacer el trabajo artesanal, y otro debido al alto costo que tienen estos trabajos, ya que son hechos íntegramente a mano, con finas manos de artista, muy buena vista y largas horas de labor escultórica.

El tallado de joyas es un arte donde el artista combina las técnicas de tallado con el diseño de joyas, en un equilibrio estético único, obteniendo como resultado lujosas y costosas piezas. Esta tarea requiere otros conocimientos que van mas allá de la orfebrería, el conocimiento del volumen y la práctica de la escultura.

Un tallado sin un buen diseño no luce, en cambio si el diseño de la joya es interesante, el tallado aportará delicadeza y valor. En la fotografía siguiente se puede apreciar un collar que hice con un diente de jabalí tallado en un diseño asimétrico que combina el tallado del diente con un ojo de buey, una piedra del sol y una perla cultivada:


Los materiales elegidos para tallar, son variados, entre ellos, marfil, coral, piedras, huesos, dientes, espinas de pescado, nácar, vidrio, maderas duras, metales, y todo material noble que por su dureza sea capaz de rersistir el desgaste producido por el roce de la piel y prendas, a lo largo del tiempo.

En la fotografía de la derecha se puede apreciar el símbolo de virgo tallado en hueso dando forma a un bello camafeo que tallé para mi esposa como regalo de cumpleaños:









De acuerdo a la dureza del material a tallar, será la herramienta usada para desgastar el material, retirando lo que no forma parte de la figura, para ello se usan gubias, limas, sierras, buriles, y una herramienta moderna imprescindible para esta tarea, el torno de mano. Las puntas utilizadas van desde brocas, fresas, discos de pulido, cepillos, paños, piedras, etc.

En la figura anterior, se ve de izquierda a derecha: gubias para madera, limas y buril para metales, un bruñidor de ágata para pulido de metales, un torno de mano y por último, discos de corte, piedras, fresas, piedras, y paños para pulido.

Finalizado el tallado debe ser pulido para alisar las superficies y obtener el brillo, para lo que se usan lijas al agua entre 600 y 1200 y una pulidora con paño únicamente, o bien el torno con paño, o el bruñidor de ágata.

A continuación muestro algunas piezas que realicé aplicando la técnica de tallado sobre distintos materiales:

A la izquierda un anillo tallado en plata con una guarda moderna irregular con motivo indefinido.











A la derecha otro anillo tallado con unas aves representadas por cigueñas muy estilizadas:











En la fotografía siguiente se observa unas alianzas de plata con un tallado del sol y la luna aztecas, que hice para una pareja amante de la naturaleza:
En la fotografía siguiente se muestra un collar asimétrico tallado en hueso de animal vacuno, el dije de la derecha está calado y tallado, fue inspirado en los tragaluces de algunas iglesias europeas:


En la fotografía siguiente se ve una pulsera muy moderna que tiene un trozo de diente de jabalí tallado a mano con el símbolo de cáncer, ya que la persona para quien la hice es de ese signo, completa el diseño un tallado de una forma irregular de ébano con incrustaciones de plata:


En la fotografía siguiente se ve una pulsera asimétrica que tiene un trozo de hueso vacuno tallado a mano con una guarda, completa el diseño una ágata roja y un doble cordón que cierra el accesorio :



Finalmente en la fotografía siguiente se ve  un vidrio con una flor un poco surrealista con brazos en vez de hojas y un jade con una cara india, tallados en espera de ser engarzados y formar parte de una joya que mi imaginación aún no fructifica:



sábado, 10 de diciembre de 2011

ESMALTADO A SOPLETE SOBRE METALES

Aprendí esta técnica de mano de un viejo platero, que ya no quería trabajar porque la vista no le daba, y accedió amablemente a enseñarme, era una forma de que no se pierda el oficio, ya que en la actualidad no es una técnica muy usada, los hornos han reemplazado esta tarea. Por esa razón es que la publico para ver si hay interesados en que no se pierda el oficio.

Sin embargo para pequeñas piezas de joyería es una técnica muy práctica, ya que con ella nos evitamos la tarea de calentar el horno, por otra parte si hacemos pequeñas piezas no necesitamos comprar ni alquilar un horno, a la vez se disfruta de un espectáculo único, que es ver como se va transformando el esmalte en vidrio, y por último también está la satisfacción que la pieza terminada nos otorga, satisfacción inigualable y única de haber logrado el producto por nuestros propios medios.

Todas mis piezas son esmaltadas a soplete, ya que las joyas tienen pequeñas partes esmaltadas, por lo general con fines decorativos y no hay grandes superficies que cubrir.

No hay ninguna limitación aparte del tamaño de la pieza para esta técnica. Con respecto al metal, mi experiencia se limita al esmaltado únicamente sobre  metales cobre, plata y alpaca. No he tenido ningún problema de rechazo del esmalte (en la jerga se dice que el esmalte se salta). Si se esmalta sobre alpaca es común que se salte el esmalte, si no tenemos la precaución de lograr una cobertura con esmalte de toda la superficie a esmaltar en la primera cocción.

Tampoco he tenido problemas con las distintas técnicas de esmaltado propiamente dichas, cloisonné, champlevé, plique a jour, antorchado, etc. que iré detallando en otros post.

Para aprender esta técnica recomiendo que se comience con una chapa batida que es un proceso sencillo de lograr, en la fotografía de la izquierda se puede ver una chapa rectangular hecha con esta técnica.
La chapa redonda en la misma fotografía es una chapa embutida.

Las cuentas que se ven al pie se hacen con una técnica de antorchado que detallaré en otro post y que es conveniente aprender ya cuando se tenga experiencia, pues se trabaja a fuego directo y si se es principiante se puede quemar el esmalte.
 
Luego puede hacer un movido en caliente como el de la fotografía de la izquierda.

Luego se puede seguir con un cloisonné como el que se ve en la fotografía de la derecha. Para esta pieza, se soldaron los alambres que separan la figura a una chapa de cobre batida, también fueron soldados unos gránulos de plata y una semiesfera lograda por embutido.

El método de cloisonné usado en esta pieza no es el habitual, en el que los hilos son finitos y se pegan con CMC, aquí el alambre de 0,8mm de diámetro juega un papel decorativo en la textura además de separar los colores del esmalte. Después de dos capas de color liso y de nivelar el esmalte, se procedíó a oscurecer los bordes en una nueva cocción para dar realce al diseño antes de la terminación.

A medida que se adquiera experiencia se podrá ir avanzando hasta hacer cosas difíciles como el plique a jour que se ve en la figura siguiente, donde el esmalte está sostenido sólo por una estructura de alambre de plata de 0,8mm de diámetro pareciéndose a un pequeño vitreaux:
 

En el sitio http://www.linealibre.com.ar/ , un sitio fantástico dedicado exclusivamente al esmalte, hay una galería de artistas donde el lector podrá encontrar algunos trabajos míos con distintas técnicas (entre ellos esta mariposa)  y  muchas obras esmaltadas de otros autores que es un placer ver. Además en ese sitio se pueden adquirir todo tipo de materiales para esmaltar, y también aprender técnicas básicas (yo aprendí muchas cosas mirando ese sitio).

PREPARACIÓN DEL METAL:

La preparación del metal incluye lograr una pieza metálica con una cavidad o una superficie apta para recibir el esmalte, puede ser un batido que se logre dando golpes con martillo hasta obtener la forma deseada, otra puede ser un embutido que hagamos con la embutidora si deseamos una pieza semiesférica o cilínidrica, unas cavidades hechas dentro de un metal, una estructura de alambres,o simplemente una superficie lisa con los bordes limados y pulidos, etc.

En la fotografía siguiente se ve el trabajo de una pieza de cobre en proceso de batido a martillo sobre un yunque de joyero:
 

En la fotografía siguiente se ve el trabajo de una pieza de alpaca embutida a martillo utilizando una embutidora de joyero:



En la fotografía siguiente se ve el reverso de unas piezas de cobre batido a martillo despues de esmaltarlas, como se puede apreciar no tienen contraesmalte ya que el mismo no es necesario debido al pequeño tamaño de las mismas. Además antes de ser engarzadas en un joya el reverso de la piezas se deben rellenar con masilla de artesanos para protejerlas durante la manipulación.


PRUEBA DE LOS ESMALTES:

Es importante antes de esmaltar la pieza destinada a la joya, hacer pequeñas muestras para ver los colores definitivos que quedarán después de la cocción, ya que hay diferencias entre el color del polvo y el del catálogo. En la fotografía siguiente se ven trocitos de chapa de descarte con pruebas realizadas con este fin:



PREPARACIÓN DE LA MESA DE TRABAJO:

Primero hacer una jaula de alambre tejido como la que se ve en la fotografía siguiente.
Preparar un vidrio a modo de paleta.
Elegir los colores y un gotero con agua destilada.
Tener un trapo limpio para limpiar la punta de la microespátula.
Preparar la microespátula.
Preparar el cepillo de vidrio o un cepillo de dientes de cerda dura.
Preparar la piedra de carborundun.

De izquierda a derecha se ve la jaula de alambre, la pinza de acero inoxidable, limas de matricería, una microespátula con dos punta (chata redondeada y en punta), las piedras de carborundum y un pincel de cerda blanda. En la parte superior se ven los esmaltes, el vidrio para preparar las pastas y el gotero con agua destilada.


En la fotografía siguiente se pueden ver varios tamices para espolvorear esmaltes y un pincel de vidrio (color verde), en la parte superior se puede ver una flor con compartimentos celulares donde se pueden preparar esmaltes como alternativa al vidrio y hojas de paillón de plata que se usan para dar profundidad con brillo metálico a los esmaltes transparentes:


TÉCNICA DE ESMALTADO A SOPLETE:

La técnica tiene los pasos básicos de cualquier esmaltado, con algunas prticularidades:
  1. Limpieza del metal
  2. Colocación del esmalte
  3. Cocción con el soplete
  4. Enfriado de la pieza
  5. Nivelado del esmalte
  6. Terminación
  7. Limpieza y pulido
LIMPIEZA DEL METAL:
Calentamos la pieza con el soplete, la sumergimos en ácido sulfúrico diluido al 10% (una parte de ácido y 9 de agua destilada). Esta operación se debe hacer en ambiente ventilado y tratar de no acercar la cara al recipiente del ácido mientas se limpia la pieza, ya que al estar caliente y en contacto con el ácido, se desprende vapores sulfurosos que hacen mal a las vías respiratorias, yo suelo ponerme una máscara de gases por un ratito, mientras límpio con ácido la chapa y luego me la quito.

La pieza se saca del ácido con pinzas de acero inoxidable enseguida, pues el ácido corroe los metales, debe sólo limpiarse y no adelgazarse.

Seguidamente con la pinza metemos la pieza limpia bajo el chorro de agua para enjuagar y eliminar el ácido, y con una esponja de virulana de aluminio se limpia, si es necesario para limpiar algún rincón, se puede usar alguna lima de matricería, finalmente se enjuaga y no se toca la superfice con los dedos pues transmiten grasitud. Manipular siempre con pinzas. El esmalte solo se pegará si la superficie está completamente limpia.

Si se trata de metal de alpaca (o metal blanco) la limpieza se hace en frío y sumergida en una solución de ácido nítrico, veremos que la pieza comienza a burbujear y es el momento de retirarla, enjuagarla, secarla con un trapo y pasarle un cepillo de bronce para eliminar los restos de la oxidación del proceso de soldado.


COLOCACIÓN DEL ESMALTE:
Preparar el esmalte poniendo un poco de polvo sobre un vidrio plano a modo de paleta y con una gotita de agua destilada hacer una pasta utilizando la microespátula, yo uso un vidrio pues en el esmaltado hay que dar varias capas hasta obtener un espesor de 0,8mm y si hay varios colores hay que preparar diferentes pastas. Una recomendación es evitar contaminar los esmaltes al tapar los frasquitos, pues es bastante fácil distraerse e intercambiar las tapas.

En está etapa se pueden colocar los esmaltes definitivos o dar una base con algún esmalte de base ya sea opaco o transparente, la única condición es que en la primera cocción quede toda la superficie cubierta pues de lo contrario donde no se pegue el esmalte se producirá una oxidación y luego habrá que hacer limpiezas complementarias.

Para la tarea se utilizan microespátulas con las que se coloca el esmalte sobre la superficie. Una vez colocado el esmalte se puede optar en dejar secar la pieza a temperatura ambiente o secarla con el soplete colocando la pieza sobre la jaula de alambre y dando calor de abajo, pero con el soplete alejado 20cm de la pieza, ya que si acercamos el fuego a la pieza el agua de la pasta se convertirá en vapor y saltará saliéndose de su ubicación con la consiguiente pérdida de tiempo, ya que habrá que agregar de nueva pasta en los lugares que salte. Una vez seco ya no se saltará.


También existen otras técnicas de colocación de esmalte como el espolvoreado, la pintura, para espolvorear se usan los tamices vistos arriba.

COCCIÓN CON EL SOPLETE:
Primero revisamos que no hayan corrientes de aire en el lugar donde esmaltaremos la pieza.

Estando la pieza seca iremos acercando el soplete de a poco con el objeto de ir aumentando la temperatura de la pieza gradualmente, veremos que va cambiando de color pasando a gris oscuro o negro (depende del color del esmalte) luego llegará a un naranja, allí hay que estar atento pues rápidamente pasa a rojo vivo y es allí el momento de retirar el soplete. Una recomendación: no hay que dejar el soplete en un punto fijo de la pieza pues se puede fundir, mover las soldaduras o quemar el esmalte, en todo momento hay que ir moviendo y haciendo círculos con el soplete debajo de la pieza hasta cocinar el esmalte cosa que ocurrirá a los 850-950ºC, la plata se funde a 960ºC y la soldadura tiene punto de fusión aún menor.


ENFRIADO DE LA PIEZA:
Inmediatamente se termina de cocinar el esmalte, se debe dejar la pieza en lugar cálido a efectos de evitar un enfriamiento brusco y la posterior fractura del esmalte (no hay que olvidar que el esmalte es un vidrio y por lo tanto sensible a los cambios bruscos de temperatura, si se enfría de golpe se puede fisurar).

Yo utilizo un foco de 75watts que acerco a la pieza a efectos de que se enfríe gradualmente, a medida que va enfriando irán aparececiendo los colores del diseño.


NIVELADO DEL ESMALTE:
Una vez fría la pieza es necesario nivelar la superficie esmaltada a efectos de eliminar malformaciones, puntas, alguna improlijidad que haya quedado, etc. También es importante pues el nivelado permite igualar el espesor del esmalte y observar los lugares que quedaron hundidos, a los que habrá que rellenar.

Para la tarea se utiliza una piedrita de carborundun y la tarea se hace bajo el agua, ya sea en un recipiente de agua o bajo un chorrito de la canilla, este último método tiene la desventaja de que se gasta mas agua (un recurso escaso). A efectos de eliminar los restos la limpieza final se hará usando un pincel de vidrio mientras se enjuaga con agua.

TERMINACIÓN:
Antes de la terminación se deberán repetir los pasos anteriores todas las veces que haga falta. Una vez que estemos conformes con el esmalte se procede a terminar la pieza para lo cual se pinta con un pincel colocando una capa finita de esmalte de terminación, que es un esmalte transparente de baja temperatura (debería fundir a 650ºC). Esta capa otorgará brillo y protegerá el esmalte. A partir de ahora la pieza estará lista para integrar la joya con el resto de los elementos que componen el diseño.


LIMPIEZA Y PULIDO:
La limpieza final consiste en pulir los alambres del cloisonné o los granos de la pieza eliminando los restos de la oxidación. Si los esmaltes utilizados son importados (franceses o alemanes) se puede sumergir la pieza en una solución de ácido suave. Pero si se usaron esmaltes nacionales, la limpieza deberá ser a mano con tela esmeril de distintas granulometrías empezando en 600 y terminando en 1200. Esta tarea deberá hacerse con sumo cuidado de no rallar el esmalte, caso contrario habrá que hacer la terminación de nuevo.

Para el pulido se debe utilizar únicamente el paño, no usar el cepillo ni ninguna pasta pues son todas abrasivas y le quitará el brillo y manchará el esmalte.



















lunes, 5 de diciembre de 2011

DISEÑOS CONTEMPORÁNEOS DE JOYAS

La búsqueda de nuevos horizontes en la joyería es uno de mis pasatiempos favoritos, se podría pensar que con tanta evolución ya está todo hecho, este es un pensamiento erróneo,  ya que es subestimar el poder creativo de la naturaleza humana.
En la fotografía de la izquierda se puede ver un anillo hecho integramente a mano en plata y con técnicas artesanales. Para el diseño me inspiré en las máscaras venecianas. La piedra es una vitrofusión dicroica que hice personalmente en un horno chiquito para vitrofusión. El resultado fue este espléndido anillo para fiesta con mucha personalidad para la dama que se anime a lucirlo.

Después de leer el libro Joyas Técnicas y artífice de Alina Martínez, me convencí que los límites de agotar todo en joyas está aun muy lejos, esta artista cubana en su libro abre una abanico de posibilidades a la creación, entre sus consejos dice que hay que dejarse llevar y no estar pendiente de si va a gustar o no la joya, tampoco preocuparse por el costo, a lo que yo agregaría que ni siquiera hay que limitarse si va a ser factible de realizar en el taller.

Alina dice que en el diseño hay que dejar que el lápiz corra con toda libertad, y que la mano debe estar libre sin las fronteras que el conocimiento impone, nada debe acotar la creatividad en lo estético. Ya habrá tiempo para las limitaciones mecánicas de las piezas, este será un problema posterior a resolver antes de que la pieza entre al taller. También aconseja usar técnicas de creatividad que ayudan al diseñador, tales como hacer una forma en papel y hacerle cortes con una tijera e ir descomponiendo la figura en sus partes constitutivas para luego sintetizarlas en un diseño.

Por su parte las técnicas de creatividad funcionan siempre y cuando se tenga la gimnasia suficiente en crear, un espíritu de búsqueda e investigación. Siempre es más fácil crear mientras mas información se tiene, para ello es muy importante poseer una cultura general amplia y por sobre todo saber investigar, ya que si queremos hacer una pieza original hay que saber qué es lo que ya está hecho, para no correr el riesgo de descubrir la rueda. Si bien el mirar otros trabajos puede influenciarnos hay que tomar conciencia de que copiar un diseño no agrega ningún valor a la pieza que no dejará de ser una réplica.

Los conocimientos de arte que adquirí a temprana edad donde aprendí dibujo, pintura, escultura e historia del arte, me facilitan muchísimo la tarea de crear ya que a través del estudio se conoce la simbología de cada una de las culturas, de los maestros de la pintura aprendí muchísimo, Salvador Dalí es mi ídolo y creo que ese genio ha influenciado en mis obras. A la derecha se puede ver un anillo que hice como regalo de cumpleaños para mi esposa, el mismo representa una flor, donde el cubismo de Picasso está presente.   
Entre los requisitos para poder crear una pieza es conocer a fondo los materiales y las técnicas de joyería.

En cuanto a los materiales hay que estar abierto a todo lo que sea noble y duradero, yo comencé por los clásicos la plata, el oro y las piedras, pero luego fui aprendiendo que existen muchísimos mas tales como el cobre, el bronce, el carey, los caracoles marinos, el nácar, las maravillosas maderas como el ébano, el quebracho, los corales, los vidrios, los huesos, los dientes de animales, etc. todo lo que sea noble y duradero puede servir.  El anillo de la flor anterior tiene unos granos de cobre como parte del diseño.

Para ilustrar el uso de materiales no tradicionales en la fotografía siguiente muestro un broche hecho con una rama de coral negro. Compré la rama de coral negro a un artesano de la calle simplemente porque me gustó, y pasó bastante tiempo en mi taller hasta que un día la dejé de ver como rama y vi en ella un cisne, a partir de allí comencé a hacer dibujos que me permitieran integrar la rama de coral al cisne, el resultado fue que después de varias semanas, surgió este bello broche que representa a un cisne con la cabeza dada vuelta  espulgándose las plumas. Completa el diseño una pieza de nácar aliotis en la cola (proveniente de un avalón) y una perla cultivada:


En la fotografía siguiente se puede ver una nueva piedra, modificada por métodos modernos, se trata de un cuarzo fracturado, una bellísima piedra que aproveche para hacer el dije de la fotografía siguiente, tiene una estructura con un marco muy moderno en plata texturada, que deja pasar la luz para resaltar la transparencia de la piedra, se trata de un diseño asimétrico que simula ser un pergamino, en la parte inferior izquierda tiene una forma geométrica que salió de una descomposición de la forma, para balancear la asimetría de la piedra:



Por su  parte además de las técnicas tradicionales, en la tarea de diseño ayuda conocer técnicas de otras artes, tales como el esmaltado, el arte decorativo, la vitrofusión, el tallado, etc, todo puede agregar valor a un diseño. El lector intersado puede leer los otros post de este mismo blog que voy incorporando sobre técnicas específicas como el esmaltado, que particularmente me fascina. En la fotografía de la izquierda se ve un anillo esmaltado con la técnica de cloisonné, con una piedra de circonio engastada en el cuadrante negro inferior izquierdo.

En realidad cada técnica nueva que aprendí me abrió nuevas posibilidades de diseño, las técnicas textiles me ayudaron muchísimo en los diseños pues se pueden utilizar tanto para fabricar estructuras, como para dar texturas, que también es todo un mundo por descubrir. En la fotografía de la derecha se observa una malla inglesa incorporada dando textura a un anillo,  completan el diseño trozos de nácar blanco y madera de ébano.

El tallado agrega muchísimo valor a una joya, en la figura siguiente se ve una pulsera muy moderna que tiene un trozo de diente de jabalí tallado a mano con el símbolo de cáncer, ya que la persona para quien la hice es de ese signo, completa el diseño una forma irregular de ébano:

Mis conocimientos de geología también me aportaron ideas para el diseño moderno, el anillo siguiente es un amonite que da realce a un granate que está en pleno centro del diseño, se completa con nácar blanco:


El diseño siguiente combina simbología precolombina en un dije moderno que me encargó una profesora de historia, simboliza una mariposa que es Xochipilli, el Dios de la primavera, la piedra es una malaquita:



Por lo expuesto debo concluir que en diseños de joyas no todo está hecho y que falta mucho aún para alcanzar los límites, la creatividad es el único combustible capaz de sorprendernos y es el que nos lleva a hacer algo distinto cada día.

BIBLIOGRAFÍA:
Alina Martínez de Veggi. 2006. Joyas Técnicas y artífice. Editorial MARTIN (Argentina)   

sábado, 3 de diciembre de 2011

EL DISEÑO DE UNA JOYA

Para poder hablar de diseño de joyas, primero debemos entender qué es una joya. Hay definiciones variadas acerca de lo que es una joya y lo que es bijouterié, y en algunos casos tampoco hay un límite preciso entre joyería y bijouterié. Sin embargo trataré de dar algunas características distintivas,  para ello comenzaremos por saber cual es sentido cultural de la joyería.

En la mayoría de las culturas, las personas utilizan accesorios ornamentales con diferentes fines, tales como:
  • Resaltar la belleza de ciertas partes del cuerpo, por ejemplo los aros, los colgantes, las gargantillas, anillos, etc.
  • Como objetos utilitarios, como los broches de ropa con el objeto de cerrar una prenda o adornarla. Hoy hasta los pendrives se convirtieron en valiosas joyas ya que en algunos casos se adorna su cobertura con materiales muy costosos y fina orfebrería. 
  • Distinción o pertenencia un grupo o clase social, por ejemplo el uso de un crucifijo en el cristianismo
  • Como amuletos o talismanes de protección o de suerte
  • Como objetos de ceremonia, tal es el caso de los anillos  de boda
 La joyería y la bijouterié en cuanto al uso cultural no tienen diferencias, sin embargo una de las diferencias radica en los materiales que conforman el objeto, las joyas se hacen con  materiales nobles y duraderos pues una joya es creada para perdurar en el tiempo, al punto que hay verdaderos legados de familia donde ciertas joyas pasan de la abuela a la madre y luego a la nieta. Por su parte la bijouterié no tiene el fin de perdurar en el tiempo, sino mas bien de ser una moda pasajera, por lo que los materiales suelen ser baratos y de menor duración.

En cuanto a la forma de producción,  tanto las joyas como la bijouterie pueden hacerse de forma industrial o artesanal, por ejemplo si se quiere se pueden hacer 1000 anillos iguales de oro usando moldes para fundición, por su parte se puede colocar una máquina a realizar bijouterié. Pero la diferencia la hace la mano de obra,  siempre las de mayor calidad y valor, son las realizadas a mano ya sean joyas o bijouterié. Por lo general las joyas artesanales son piezas únicas de mucho valor.

En cuanto a las técnicas utilizadas hay mucha diferencia, la joyería tiene las técnicas de orfebrería, tales como el engastado (engarce de piedras), cincelado, esmaltado, labrado, soldadura,  etc. mientras que en la bijouterié se pinta, se pega, no se suelda, que son técnicas mas simples de realizar por mayor cantidad de gente, lo que no quita que se pueda hacer bijouterié de buena calidad. El hecho de que haya mayor cantidad de gente haciendo bijouterié influye en la mayor variedad de diseños, ya que son muchas personas creando.

Algunos autores opinan que la bijouterié trata de imitar a las joyas pero con materiales poco costosos, esta concepción es errónea, ya que son dos cosas totalmente diferentes, aparte del uso y los materiales, se diferencian en el diseño. Cada vez mas la bijouterié esta ganando terreno y diferenciándose de la joyería por mérito propio, la diversidad de materiales utilizados da al artesano de bijouterié mayores grados de libertad para dar rienda suelta a su creatividad, llegando a tener unos diseños hermosos, en cambio la joyería clásica que intenta ser mas conservadora en muchos casos por mejores materiales no supera en creatividad de diseño a la bijouterié. Por suerte este concepto está cambiando y desde hace algunos años la joyería comenzó a  modernizarse y  ha ido incorporando nuevos materiales y técnicas tales como el cristal de murano, la vitrofusión dicroica, el nácar, caracoles marinos, maderas, huesos, piedras no preciosas, coral, etc. que con las mismas técnicas de orfebrería surgen joyas bellísimas, verdaderas obras de arte.

Una joya es una obra de arte, que tiene la diferencia con otras obras artísticas, de que es una obra de arte que se usa en vez de exhibirse en una sala. Aquí las personas que lucen la joya son la sala de exposición de la obra.

Como toda obra de arte una joya arranca con un buen diseño donde el artista intenta expresarse, y el único combustible que posee para lograrlo es la creatividad. Si bien la creatividad es un talento que las personas poseen para hacer algo, es bueno conocer algunas técnicas que favorecen a la misma, estas técnicas surgen a propósito de que el tema de la creatividad ha sido bastante estudiado por los psicólogos. Personalmente hago uso de esas técnicas.

El diseño de una joya tiene dos etapas básicas:
  1. el diseño artístico que debe ser libre al igual que cualquier obra de arte
  2. el diseño técnico, que fija limitaciones prácticas para la factibilidad técnica de realización
Para el diseño artístico yo comienzo haciendo dibujos en papel o consulto una carpeta de diseños ya hechos que fui acumulando con el tiempo (cada idea que me surge la dibujo en un papel para dejarla plasmada, a lo mejor jamás se lleva a la práctica, pero puede servir como arrancador de nuevas ideas), aquí tengo la libertad de crear con independencia de las limitaciones que impone el taller, ya que cuando entramos al taller hay que ir con algo muy concreto para realizar, los materiales son costosos y cualquier improvisación cuesta cara (los carpinteros dicen que la madera se mide tantas veces como haga falta, pero cortar se hace una sola vez).

Veamos algunos ejemplos reales:

Cuando se trabaja por encargo, generalmente el cliente ya tiene alguna idea acerca de lo que quiere , por ejemplo si el propósito fuera hacer un crucifijo, habría que decidir materiales, técnica y estilo, con esto el problema se reduce a decidir si será clásico, ruso, moderno, en plata, oro, con piedras, esmalte, etc. Vemos que tampoco es sencillo pues hay muchísimas posibilidades de las cuales sólo una irá al taller. En la fotografía de la derecha se puede ver una hoja llena de dibujos de crucifijos que hice con la idea de hacer crucifijos esmaltados, entre los cuales me decidí por los siguientes:


A la derecha se puede ver una cruz de plata esmaltada esmaltada en color azul, con una filigrana que la contornea:  


 A la izquierda puede observase como quedó el trabajo terminado de otro de los diseños que hice en el papel. Se trata de una cruz hecha en chapa de plata esmaltada en color bordó con la técnica cloisoné y en el medio tiene una piedra de circonio.
Otras veces el diseño parte desde una piedra, u objeto existente con el que se debe conformar la joya, en cierta oportunidad hice varias chapas de cobre con esmaltado raku y surgió una pieza que me gustó y decidí engarzarla, hice varios diseños como se ve en la lámina siguiente, comencé con la pieza en caida natural (dibujo de la izquierda), luego la invertí, me gustó como quedaba pero tenía el problema del vacío que quedaba en la parte superior a la derecha, por lo que lo rellené con una perla natural y le incorporé una estructura que sustentara a los dos componentes (el raku y la perla):


El resultado final de taller fue el siguiente:

A la derecha muestro otro caso en el que partí de una amatista que naturalmente después del pulido quedó con forma de frutilla, decidí hacer un diseño en volumen, dificultad que no tenían las piezas anteriores ya que eran planas.
En estos casos el problema es que hay que hacer varios diseños para cubrir todas las caras de la piedra, en la figura siguiente se ve que la primera idea fue bastante común, hacer una canastita y encerrar la piedra, luego consideré que la piedra era lo bastante hermosa como para estar encerrada en una jaula, por lo que decidí migrar a un arreglo frutal e incorporé la idea de hacerle un cáliz.
Comencé a mejorarlo al punto que no me alcanzó la hoja y continué arriba. Para dar destellos de luz incorporé dos pequeños circonios a la izquierda y para completar el engace agregué una hoja a la derecha que iría hasta abajo atrapando la piedra y no dejándola salir. En definitiva el diseño terminó siendo una canasta disfrazada.
Para poder colgar el dije de la cadena agregué una hoja labrada y doblada como se ve en la pieza terminada de arriba.

En la fotografía siguiente se puede observar el costado de la joya terminada:  

Aprovechando la lámina de los diseños muestro a continuación una pulsera esclava en filigrana de plata, para la cual como se ve hice varios diseños, comenzando con lo artístico sin limitaciones, pero luego tuve que modificar el diseño a efectos de evitar enganches en las prendas y a la vez darle solidez ya que se podía desoldar o quebrar,  por lo que fui buscando la forma de reforzar la estructura en los puntos débiles. El resultado fue el siguiente:


Para terminar quiero mostrar un corte de ágata decorada con un paisaje marino y explicar como surgió el castillo de la primer figura. El corte de ágata me sugirió una caverna y a partir de allí comencé a realizar el diseño, decidí incorporar una ostra sobre la que está parada la sirena mirando hacia la caverna, a la izquierda coloqué un alga y en centro de la ostra una pequeña amatista.


El castillito de la fotografía de arriba surgió a partir de una pieza de nácar verde natural que encontré, apenas vi la pieza pensé que era un paisaje natural de sierra y cielo, por lo que restaba instalar alguna construcción, y se me ocurrió colocarle un castillo, con su jardín, agua, banderas, etc. Los techos del castillo son de coral rojo y la puerta es de azabache.

Como conclusión de esta exposición, no me queda otra cosa que recomendar a la persona que desee hacer un diseño original, primero que se esfuerce en NO COPIAR, pero si en agudizar su poder de observación, que mire los escaparates de las joyería, que lea todo lo que pueda aún que no tenga que ver con la joyería, que vaya por su medio mirando todo, la naturaleza, los árboles, calles, edificios, etc. hasta una reja de un casa puede inspirar una joya.  Por otra parte que se acostumbre a no tirar los diseños borradores sino que los encarpete, pues pueden servir en otra oportunidad como fuente de inspiración.